Desde la ingenua Blancanieves hasta la valiente Rapunzel, las princesas de las películas infantiles son un reflejo de lo que sucede en cada época en nuestra sociedad. Mucho se ha criticado a este tipo de películas por mostrar modelos femeninos cuya única meta en la vida es conseguir conquistar a un “príncipe azul”, pero a la hora de analizar estos personajes debemos tener en cuenta que muchas de estas películas fueron hechas en épocas en las que las mujeres eran tratadas como inferiores a los hombres, y cuya única meta debería consistir en representar a la perfección el papel de esposa, ama de casa y madre.

Como cuentos infantiles que son, se debe ver estas historias desde el punto de vista de los niños, por lo tanto se debería dar más importancia al simbolismo que al contexto histórico. Desde esta perspectiva, de las historias de Blancanieves (“Blancanieves y los Siete Enanitos”, 1937), Cenicienta (“La Cenicienta”, 1950) y Aurora (“La Bella Durmiente”, 1959), se pueden sacar conclusiones muy diferentes. En el caso de Blancanieves y Aurora podemos llegar a la conclusión de que la verdad y la bondad acaban triunfando sobre la maldad. Cenicienta a su vez nos muestra que si eres fiel a tus propias metas y mantienes una actitud positiva triunfarás ante las adversidades.

Más recientes son las princesas Disney Ariel (“La Sirenita”, 1989), Bella (“La Bella y la Bestia”, 1991) y Jasmine (“Aladdín”, 1992). Las tres muestran un carácter más marcado que sus antecesoras. Tienen en común una gran independencia, valentía y ansias de libertad. Ariel muestra voluntad, constancia y compromiso a la hora de alcanzar sus metas. Una novedad de esta película es que en este caso es la princesa la que rescata al príncipe de ahogarse al naufragar su barco. Bella es una joven inteligente que renuncia a su libertad para poder liberar a su padre de la Bestia. Es la primera en aceptar una pareja fuera de los cánones convencionales. La princesa Jasmine huye de palacio porque no acepta casarse con un príncipe al que ella apenas conoce. Es la primera princesa no europea de la lista y también la primera en enamorarse de un hombre de clase humilde.

En los 90 aparecen Pocahontas (“Pocahontas”, 1995), Anastasia (“Anastasia”, 1997) y Mulan (“Mulan”, 1998). Pocahontas, hija del jefe indio Powhatan, es la primera basada en una historia real y en desempeñar un papel político, llegando a conseguir la paz entre su pueblo y los colonos ingleses. Es la primera y única que no se casa con su enamorado. Mulan, al igual que Pocahontas, rechaza el matrimonio como mejor opción. Es una joven china que se alista en el ejército imperial para evitar que su anciano padre sea llamado a filas, haciéndose pasar por soldado y demostrando que es tan valiente e inteligente como sus compañeros. “Anastasia” (proyecto de la Fox) reproduce elementos clásicos de los films de Disney. Pretendiendo basarse en hechos reales, ha sido muy criticada por considerar que hace apología del Imperio Zarista. La protagonista tiene mucho carácter, pero necesita siempre la ayuda de otro personaje para salir adelante. La estrategia de la Fox para desbancar a Disney se vio truncada al coincidir con el reestreno de “La Sirenita”.

Ya en los años 2000, encontramos a Fiona (“Shrek”, 2001), de DreamWorks, y a Tiana (“Tiana y el Sapo”, 2009) y Rapunzel (“Enredados”, 2010), de Disney. Al igual que las princesas más clásicas, Fiona necesita que un hombre la salve, con la diferencia de que en esta película no es rescatada por un príncipe, sino por un ogro. El film fue un éxito de taquilla. Tiana sorprendía a los espectadores por su feminismo y color de piel (aunque Jasmine y Pocahontas también tienen un color de piel distinto). Ella desea abrir su propio restaurante con sus ahorros, y una vez conseguido esto, le da trabajo a su después marido en su negocio. La última princesa protagonista hasta la fecha, Rapunzel, se pone al mando tomando como rehén a un ladronzuelo que busca refugio en la torre donde se encuentra recluida y sellando un pacto con él. Avalada por público y crítica, “Enredados” ha supuesto el mejor estreno de una cinta de animación en la historia de Disney.

Las princesas vuelven a estar de actualidad. Disney Pixar también se ha apuntado a esta moda, ya que su próxima película, “Brave”, cuyo estreno está previsto para julio de 2012, también tiene como protagonista a una princesa, Merida, quien pone en riesgo su corona por perseguir su sueño: ser arquera.

Uno de los géneros con más tirón entre el público es el de las películas de animación. Estamos ya acostumbrados a que cada nueva cinta se convierta en un éxito de cartelera. Es uno de los géneros que mejor ha evolucionado, alcanzando un nivel sobresaliente en muchas de sus obras.

Lejos quedan los tiempos en los que se relacionaba este género con un el público infantil, ya que ahora, cada vez más, se trata de películas para todas las edades, que disfrutan por igual un niño y una persona adulta. Los avances en tecnología han permitido también una calidad muy cercana a la realidad. Los argumentos e historias suelen mezclar el humor, con la acción y con el añadido de ser películas que muestran principios y valores muy buenos.

Pero si alguien se merece una mención especial en este género es Pixar. La compañía perteneciente a Disney, y que recientemente ha cumplido sus primeros 25 años, saca una obra maestra tras otra. Películas que superan los límites del género para situarse de manera global y merecida en el ranking de películas preferidas de muchas personas en todo el mundo.

Son tantas las películas de gran calidad que engloba el genero de la animación, que realizar un ranking con las mejores películas siempre va a resultar complicado. Igual que incluimos estas películas, podrían entrar otras muchas. Pero sí que hemos querido destacar aquellas que entendemos son las más importantes del género:

5. El Rey León

En 1994 Disney nos trajo la que para muchos es su mejor película de animación y una de sus últimas grandes producciones (sin tener en cuenta las que realiza Pixar). Una película que engloba todos los valores comunes que encontramos en las obras de la compañía: la amistad, la familia, el amor, el valor, el esfuerzo…”El Rey León” logró tocar la fibra sensible de millones de personas en todo el mundo, con una historia de gran belleza, pero no exenta de crueldad.

Además, toda la película cuenta con una gran belleza que permite disfrutar del maravilloso continente africano, de sus increíbles paisajes, sus animales…A ello ayuda también una banda sonora de increíble factura. Todo está recreado con todo lujo de detalles, desde las animaciones de cada uno de los elementos que salen en pantalla hasta el diseño de cada uno de los personajes .

La película narraba la aventuras en la sabana africana de Simba, un pequeño león, heredero al trono, que se exilia al ser injustamente acusado de la muerte de su padre, pero que hace buenas amistades y regresa para recuperar lo que es suyo.

4. Shrek

La primera de las cuatro películas de la saga supuso una sorpresa, en un mundo en el que nadie se atrevía hasta entonces a enfrentarse a Pixar. Con una propuesta fresca, atrevida y enormemente atrevida, se convirtió en un éxito total de crítica y público. De hecho, se llevó el primer Oscar a la mejor película de animación. “Shrek” no dejaba de ser una parodia de las clásicas películas de hadas y caballeros, con gran cantidad de gags que nos hacían reír a carcajadas.

A pesar de que su segunda parte lograba mantener muy bien el tipo, fue con la tercera entrega se empezó a notar un desgaste bastante evidente, que culminó en la discreta “Shrek: Felices para siempre”. Sin embargo, para el recuerdo nos quedarán siempre El ogro verde, Fiona, Asno y el resto de compañeros de aventuras.

3. Pesadilla antes de Navidad

La película dirigida por Henry Selick y con historia de Tim Burton es uno de esos casos en los que años después se reconoce su verdadero mérito. Una propuesta arriesgada y distinta de lo que estamos acostumbrados a ver en el género de la animación. Utilizando la técnica de stop-motion (fotograma a fotograma) se nos mostraba una fábula oscura está ambientada en la ciudad fantástica de Halloween. Una historia realmente mucho más adulta de lo que podría parecer, y con una representación del clásico estilo Burton, tanto por la oscuridad del ambiente, como de sus siniestros personajes, y ese toque de humor peculiar. La maravillosa banda sonora creada por Danny Elfman y sus marionetas protagonistas completaban un conjunto sobresaliente.

2. Wall-E

Muchas son las obras maestras que hemos podido disfrutar en los últimos años de la mano de Pixar: Monstruos S.A. Ratatouille, Los Increíbles, Cars, UP…cualquier de ellas tiene méritos de sobra para estar dentro de esta lista. Pero hemos querido reservar este puesto a Wall-E por ser la culminación del trabajo realizado por Pixar y que comenzó con Toy Story. Wall-E alcanza unos niveles de perfección difícilmente superables. Buena prueba de ello es la primera media hora de la película, brillante, y que forma parte de la historia del cine. Sin tener que hacer uso de diálogo alguno nos muestra un reflejo y crítica a la vez de la humanidad, con su dejadez y afán por destruir todo lo bonito que hay en el mundo. Es un comienzo que llega a poner la piel de gallina, por lo que enseña y por la reflexión que plantea.

Wall-E se convierte en uno de los personajes más entrañables del cine de animación, de manera que cuando acaba la película nota que le ha cogido hasta cariño. El nivel técnico de la película es apabullante, permitiendo que durante todo el metraje asistamos a un espectáculo audiovisual soberbio.

1. Toy Story

Es difícil entre tantas obras maestras una que esté en lo más alto, pero con el paso del tiempo es complicado no quedarse con Toy Story como la mejor película del género de animación. No solo por su calidad, su historia y personajes entrañables…sino también, y lo que es más importante, por lo que ha significado para el género y para millones de personas en el mundo que han crecido en paralelo con las historias de Woody, Buzz Lightyear y Andy. Toy Story refleja lo que ha sido la vida de cualquier niño, rodeada de juguetes, juegos y, sobre todo, esa inocencia que tenemos a esas edades, y que poco a poco con el paso del tiempo se va perdiendo.

No se puede entender el género de la animación sin Toy Story. Pixar nos ofrecía una obra maestra atemporal. Todos, tengamos la edad que tengamos, hemos disfrutado con una película única, que aún hoy sorprende por su nivel técnico. Afortunadamente, posteriormente recibimos dos nuevas entregas igual de sobresalientes y que forman una de las mejores trilogías del cine.

Ayer nos abandonó una de las actrices más importantes de la historia del cine, Elizabeth Taylor, que representa mejor que nadie la época dorada de Hollywood. Su impresionante belleza, con esos ojos de color violeta y, sobretodo, su increíble actuación en películas como “Cleopatra” o “La gata sobre el tejado de zinc” la convirtieron en un mito.

Elizabeth Rosemond Taylor, también conocida como Liz Taylor, nos ha abandonado ayer día 23 de marzo a los 79 años de edad por un insuficiencia cardíaca. La actriz llevaba ya muchos años con una salud muy delicada (había superado ya un tumor, tenía cáncer de piel, había sido operada en múltiples ocasiones…), que le habían apartado de la interpretación hace ya mucho tiempo. Sin embargo, las grandes películas en las que participó en toda su carrera la permitían estar siempre en la mente de los amantes del cine.

Aunque nacida en Londres, el 27 de febrero de 1932, era hija de padres estadounidenses y muy pronto (1939), con el comienzo de la segunda guerra mundial, se trasladó con ellos a Estados Unidos. Desde muy pequeña dejó vislumbrar que llevaba a una gran artista en su interior, mientras sorprendía a todo el mundo por sus dotes para la actuación y su gran belleza con unos ojos espectaculares de color violeta . Así, desde niña ya participó en algunas películas como “La cadena invisible” (1943), “Alma rebelde” (1943) o “Fuego de juventud” (1944). Ya era una joven estrella a la que se rifaban los directores y productores para sus películas.

En los 50 y 60 es cuando se convirtió en una de las estrellas más importantes de Hollywood y en la que protagonizó grandes películas que ya forman parte de la historia del cine: “Mujercitas”, “Cleopatra”, “La gata sobre el tejado de zinc”, “Gigante”, “El árbol de la vida”, “De repente, el último verano”, “La mujer indomable” o “Un lugar en el sol”, entre otras muchas.

Obtuvo dos Oscars en su carrera por “Una mujer marcada” en 1960 y por “¿Quién teme a Virginia Woolf?” en 1966, siendo nominada en otras tres ocasiones. Pero sobretodo nos deja para el recuerdo su inconmensurable talento y su espectacular presencia. Ella se bastaba para llenar toda la pantalla, y nos ha dejado como legado su bella imagen y sus impresionantes actuaciones.

Su vida privada estuvo caracterizada por los excesos: el alcohol, pastillas, joyas y diamantes…formaron parte de su vida junto con sus numerosos amoríos. Estuvo casada en ocho ocasiones y tuvo una gran cantidad de romances con algunas de las principales estrellas de la época. Sin embargo, también hay que destacar que, desde que en los setenta se fue alejando del mundo del cine, tuvo una gran labor social, contribuyendo en muchas causas sociales como su gran apoyo en la lucha contra el sida. Además, a pesar de su estado de salud, jamás perdió su preciosa sonrisa que regalaba a todo el mundo.

Con la marcha de la diva de los ojos violetas se pone fin a la época dorada del cine.

Ya hace un tiempo que se venía rumoreando que las películas de La guerra de las galaxias se iban a reestrenar en los cines en versión 3D. Tanto la primera trilogía (la más reciente) como la segunda (la de finales de los 70 e inicios de los 80). Y definitivamente, todos esos rumores son ciertos y es que a partir del año 2012 vamos a poder revisionar las seis películas de la guerra de las galaxias en una nueva versión, remasterizada y adaptada a las tres dimensiones.

Pero parece que no todo está tan claro, y es que algún motivo tiene George Lucas para hacer eso, más aún cuando la segunda trilogía aún está muy reciente en el tiempo. Y no hay otra razón que la de financiar un nuevo proyecto, aún más grande, con la recaudación de estas seis películas en tres dimensiones.

Ese proyecto aún mayor que adaptar las seis películas a 3D no es otro que el que se había venido rumoreando desde que se empezó a hablar de la trilogía de la primera saga, y no es otro que el de hacer la trilogía posterior a El retorno del Jedi, es decir, tres films  completamente nuevas sobre la guerra de las galaxias que explicarían todo lo que pasó posteriormente a la historia que casi todos conocemos ya.

Se espera que esta reversión pueda traer a las arcas de Lucasfilms entre 360 y 540 millones de euros solo con la recaudación de taquilla y las ventas de DVD y otros formatos como Blu-Ray. Todo eso, sin contar con el merchadising que es lo que ha hecho realmente ricos a esta productora, gracias a las ventas de muñecos, materiales de todo tipo, etc. y que podría hacer subir la recaudación total por las películas hasta la bestialidad de 1.500 millones de euros.

Los rumores son que esta nueva trilogía, que se estrenaría en 2018, contaría la historia pero de muchos años después, con lo que no aparecería ninguno de los personajes hasta ahora conocidos, pero seguro que se les harían muchas referencias para que los fanáticos de la saga no se vean desilusionados. Veremos como acaba toda esta historia, pero de momento, tenemos Star Wars en 3D para rato, hasta el 2016.}

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No se puede hablar mucho ya sin repetirse del magnífico director Woody Allen. A pesar de tener unos cuantos detractores, la mayoría de gente reconoce (aunque no le guste) que es uno de los directores más influyentes de las últimas tres décadas. A continuación, damos un repaso a las que, humildemente, consideramos sus cinco mejores películas hasta el momento.

Annie Hall (1977)

Allen conoció el triunfo a nivel internacional con esta película, fue la más grande de entre la entonces joven carrera del brillante director. Annie Hall reúne todos esos elementos que han hecho grande a Woody Allen, la burla sobre los demás pero también sobre él mismo y esas relaciones de pareja tan particulares que nos presenta habitualmente en sus películas. Además, pese a haber aparecido antes en El Padrino, la interpretación de Diane Keaton es, posiblemente, de las mejores de su carrera como actriz.

Manhattan (1979)

Poco después de Annie Hall, Woody Allen presentaba la que es, más que probable, su obra cumbre, y es que en Manhattan vemos todo lo mejor del director y es que claro, nadie mejor para retratar Manhattan que alguien que vive allí. Con un inicio tremendo en blanco y negro y una banda sonora excelsa empezando con George Gershwin y su Rhapsody in Blue, es la película que tiene que haber visto cualquier persona mínimamente interesada en el cine de Woody Allen.

Hannah y sus hermanas (1986)

Hannah y sus hermanas es otra de esas películas que nunca nadie dice la primera cuando hacen una lista de las películas de Woody Allen, pero que tiene una calidad enorme y eso nos hace colocarla en esta pequeña lista. Con un reparto de lujo con Michael Caine, Barbara Hershey, Max von Sydow o Carrie Fisher, prácticamente podríamos decir que es una Manhattan II.  Un magnífico triangulo amoroso donde Caine y von Sydow se dan la réplica de manera admirable.

Crímenes y pecados (1989)

Conociendo la filmografia de Woody Allen, a esta película la podríamos considerar una de las más desconocidas por el gran público, pero para nuestro gusto, se merece un hueco en este repaso. Las interpretaciones son lo mejor sin duda con una pareja de excelentes actores, Martin Landau y Anjelica Huston acompañados por Sam Waterston haciendo de rabino ciego.

Match Point (2005)

No destacamos ninguna otra película hasta el 2005, donde el mismo Allen hizo una especie de reversión de Crimenes y pecados pero situada en Londres, algo que no gustó en un inicio a muchos de sus seguidores, y es que la mayoría de grandes películas de Allen estaban situadas en su Manhattan. En este caso, Scarlett Johansson ralló a gran altura en esta película, que quizá nunca será catalogada como la mejor, pero que fue capaz de devolver un Woody Allen mucho más parecido al de sus inicios.

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Desde hace tiempo, en Hollywood tienen una idea fija: hacer precuelas. Esto responde a una simple objetivo, que es el de ganar dinero exprimiendo una franquicia más allá de los límites. A continuación les dejamos algunos motivos por los cuales el cine estadounidense debería desistir en hacer precuelas.

• El pasado fue mejor antes de que viésemos cómo ocurrió: Es una afirmación simple pero poderosa. Muchos personajes ganan su fama y popularidad gracias a grandes historias que nunca son reveladas al ciento por ciento. Por ejemplo, Hannibal Lecter era un caníbal sin motivo aparente, y eso era lo que lo hacía tan especial. En 2007, con el estreno de “Hannibal Rising” se mostró que el personaje adoptó esa personalidad porque fue torturado durante la Segunda Guerra Mundial y obligado a comerse a su hermana muerta, arruinando una historia perfecta.

• Los personajes deben ser menos interesantes para que la historia tenga sentido: Es una regla básica. Si deciden trabajar con precuelas, no pueden tirar por la borda todo el trabajo previo porque si no se pierde el interés sobre el personaje. En “X-Men Orígenes: Wolverine”, el personaje de Sabertooth de Liev Schreiber fue impecable, pero esa calidad fue demasiado alta e hizo interesante a un personaje que no debía serlo, opacando el trabajo de Tyler Mane en “X-Men” (2000).

• Los personajes pierden gran parte de su sentido: Es uno de los errores más comunes que cometen los guionistas, ya que muchas veces traicionan la personalidad que ya poseían los protagonistas por no cuidar ciertos detalles muy relevantes.

• Se pierde el suspenso: Los espectadores ya saben cuáles van a ser los personajes que no morirán y la trama por lo general no los atrae. Entonces, ocurre que todos los que van a ver la película no juzgan la calidad de la misma, sino que ponen la mirada sobre los giros argumentales elegidos para transformar a los personajes en algo que ya es conocido. Es como que les cuentan un chiste cuando ya saben cuál es la frase de “remate” para la broma.

• Sólo existen dos buenas precuelas: Un punto que puede ser muy discutible pero igualmente válido. Una es “Indiana Jones and the Temple of Doom”, que sólo se puede detectar como precuela debido a que en el comienzo se ve una carta con fecha de 1935, cuando “Raiders of the Lost Arc” estuvo ambientada en 1936. Y la otra es “El Padrino II”, que si bien fue planteada como secuela, funciona como precuela al mostrar la historia de cómo Vito Corleone llegó al poder.

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Una de las compañías más importantes de Hollywood, la imponente Metro-Goldwyn-Mayer Inc. (o simplemente MGM), tiene una millonaria deuda que lo lleva al borde de la bancarrota poniendo en peligro décadas y décadas de trabajo y éxito. A continuación, daremos más detalles de la actual situación de la compañía del león rugiente.

Ya no es ningún secreto que la MGM mantiene una millonaria deuda de más de 3.700 millones de dólares con sus acreedores y, según se maneja en la prensa internacional, una de las causas es la ya conocida “piratería”, una de las peleas fuertes que tiene toda la industria audiovisual en general.

Según la agencia de noticias EFE, el estudio cinematográfico consiguió prorrogar, hasta mediados del próximo mes de setiembre, el pago de una parte de la deuda que posee, lo que le da un respiro a los responsables del mítico estudio del león rugiente.

Si bien ya hubo ofertas de varias conocidas compañías para hacerse con la MGM, como así también hubo proyectos para una posible fusión, nada está claro alrededor de este famoso estudio de cine que está actualmente hundido en una complicada situación financiera y que tiene un futuro incierto.

Sobre la Metro Goldwyn Mayer (MGM)

El nombre MGM nace en 1924 al fusionarse los estudios Metro Pictures Corporation, Goldwyn Pictures Corporation y la compañía Mayer Pictures.

La compañía, cuyo reconocido emblema es un rugiente león que ha aparecido en infinidad de sus películas durante varias décadas, fue la creadora de grandes clásicos del cine como, por ejemplo, “Lo que el viento se llevó”, “El Mago de Oz”, “Ben-Hur” y películas pertenecientes a la exitosísima franquicia de James Bond, como “Casino Royale” y “Quantum of Solace”.

En relación a la saga del agente 007, la prensa internacional informó que, debido a estos problemas financieros, la esperada película número 23 de James Bond fue puesta en suspenso hasta nuevo aviso, lo que no quiere decir que no se vaya a realizar más adelante.

Hay que agregar que en la misma situación quedaron el proyecto sobre una nueva película de RoboCop como así también las películas basadas en la exitosa novela “El Hobbit” de J.R.R. Tolkien.

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Las caras más bonitas, la personalidad más impactante, cuerpos perfectos, sonrisas inconfundibles, bellezas universales inmortalizadas por el objetivo. Nombres y físicos hechos historia.

Las listas son interminables, varían según los años pero las grandes, las actrices consagradas están en todas. Un viaje por las bellezas que siempre hemos admirado, incluso en muchos casos amado.

Ava Gardner
El animal más bello del mundo. Título perfectamente asignado pues un director confesó que Ava era un animal del cine, la frase se quedó y luego surgieron varios actores denominados asi. Mogambo con Clark Gable.

Jean Simons
Belleza clasica, gran actriz, Espartaco con Kir Douglas

Audrey Hepburn
Dulzura angelical. Una belleza llena de la bondad que realmente tenía. Desayuno con diamantes y Vacaciones en Roma.

Sophia Loren
Sensualidad latina y mediterránea. Bella hasta la muerte, el cuerpo. Matrimonio a la Italiana con Marcelo Mastroiani

Ingrid Bergman
Belleza fría y sueca, inconfundible e inolvidable en Casablanca con Bogart.

Verónica Lake
Guapísima de los 40. Los Viajes de Sullivan

Claudia Cardinale
Carnal y sensual italiana de Visconti

Sara Montiel
Durante muchos años el exponente latino en lo que a belleza se refiere. Imposible olvidarla en Veracruz con el imponente Gary Cooper.

Julliete Binoche
Otra guapa europea, Francia expuso al mundo a esta fantástica profesional del cine. Impresionante en Azul y ganó el Oscar con el Paciente Inglés.

Marilyn Monroe
No podía faltar el mito, la explosión erótica y la provocación, todo esto la colocaron como la más deseada, sigue siendo aún después de tantos años.

Mónica Belluci
Italiana de tremenda sensualidad, Malena fue su lanzamiento al estrellato internacional.

Andy Mcdowell
Personalidad y belleza especial, sin toques sensuales, quizá más bien inocente. Su boom indiscutible, cuatro bodas y un funeral.

Kim Bassinger
Aún amada y deseada, un mito erótico desde que hizo el más famoso striptis con la música de Joe Cocker en Nueve semanas y media.

Sharon Stone
Otro mito erótico después de abrirse literalmente a la humanidad entera en Instinto Básico.

Elizabeth Taylor
Un clásico en todo, sus ojos color violeta le hacía diferente y preciosa como una joya. Imposible no nombrar Quién teme a Virginia Wolf con Burton, y la Gata sobre el tejado de zinc con Paul Newman. Grandes dobles parejas.

Quedan muchas actrices preciosas, pero hemos querido exponer la lista más segura. Ursula Andres, Bo Derek, Elle McPherson, Caterine Deneuve, Jessica Lange. Para terminar un broche de oro.

Grace Kelly
La belleza blanca y pura, americanita preciosa convertida en princesa europea.
Talismán de Hicthcock y compañera de James Steward en la Ventana indiscreta.

Todas ellas persisten en nuestras retinas y nuestro corazón. Reinas de la belleza y del celuloide. Las mujeres más perfectas y bellas del cine.

Ava

Audrey

Ingrid

Marylin

Sharon

Grace

En los últimos días, la prensa mundial se ha hecho eco de la realización de una nueva versión de la película ochentosa “Fright Night”, una de las tantas cintas de culto de los años ochenta según los entendidos del tema. A continuación, este blog de cine hará mención al esperado remake del filme “Fright Night” (también conocida con los títulos “La Hora del Espanto” y “Noche de Miedo”), que estará dirigido por el cineasta Craig Gillespie y, que como en la original, mezclará el terror con la comedia.

En el año 1985, se estrenó una película de terror titulada “Fright Night” (La Hora del Espanto y en España Noche de Miedo). Basada en el subgénero de vampiros, la película estuvo protagonizada, hace ya 25 años, por William Ragsdale y Chris Sarandon.

A estrenarse en el correr del año 2011, según informa Imdb.com, el remake de “Fright Night” estará dirigido por Craig Gillespie, responsable de las comedias “Mr. Woodcock” y “Lars and the Real Girl”.

Es de destacar la presencia en el elenco del actor irlandés Colin Farrell (“S.W.A.T.”, “Alexander”, “Miami Vice”, y “Crazy Heart”), quien dará vida al vampiro principal de la cinta. El reparto del filme estará integrado, además, por los actores Anton Yelchin, Christopher Mintz-Plasse, David Tennant y Toni Collette.

Por su parte, el guión de esta cinta estará a cargo de Marti Noxon, en base a la historia original de Tom Holland del año 1985.

Es importante agregar que en el año 1988 el cineasta Tommy Lee Wallace llevó a la pantalla grande una secuela de “Fright Night” y la cual también protagonizó el actor William Ragsdale.

Los amantes del género de terror deberán esperar unos cuantos meses para poder ver el remake de una de las tantas películas (mitad comedia, mitad terror) que con el tiempo se han convertido en “cintas de culto” (la original está cumpliendo 25 años durante el 2010).

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El universo de Julio Verne sigue fascinando a Hollywood, una de sus obras maestras, 20.000 leguas de viaje submarino, será adaptada de nuevo a la gran pantalla hasta en dos ocasiones. 20 th Century Fox y Disney lo tienen en su agenda y no es descabellado pensar que se rodarán en tres dimensiones.

Disney tras rechazar el faraónico proyecto (150 millones de dólares de presupuesto) de McG (director de Terminator Salvation), parece haberse decantado por David Fincher. Fincher fue precisamente quien contactó con Sean Beailey, encargado de las producciones de Disney, para conocer si los estudios tenían en mente algún proyecto que se alejase del perfil de sus últimas películas como director, básicamente dramas o thrillers.

La propuesta de Fincher ha llamado la atención de los entendidos y según el Hollywood Reporter, su proyecto se asemeja en cuanto a tratamiento y espectacularidad a El imperio contraataca. El guión para la película podría ser encargado a Scott Z. Burns, guionista de El ultimátum de Bourne, buscando con él un punto de fantasía y efectos especiales que hagan su proyecto aún más espectacular.

David Fincher, que ha entregado películas cómo Seven, el club de la lucha, Zodiac o El curioso caso de Benjamin Button, presentará este año The Social Network, que narra la creación de la popular red social Facebook. También Sony le ha elegido para poner imágenes a la primera novela de la trilogía de Stieg Larsson Millennium: Los hombres que no amaban a las mujeres, en versión estadounidense.

El otro proyecto para llevar de nuevo a la gran pantalla 20.000 leguas de viaje submarino cuenta con dos productores de lujo, Ridley y Tony Scott, y para dirigirla se ha pensado en el director ruso Timur Bekmambetov (Wanted: Se busca), que se encuentra preparando precisamente la secuela del film que le dio el éxito. El proyecto de 20th Century Fox estaría ambientado en el futuro.

Imagen sujeta a licencia CC de Luis Alves